El mundo es un gran territorio por descubrir. Por él caminan curiosas Saka y Tamán en su afán de explorar nuevas tierras en busca de otras experiencias. En su camino extraño, desorganizado, caótico y lleno de sorpresas encuentran un enorme huevo al que cuidarán amorosamente. A través del juego, la manipulación y la experimentación, la escena se convierte en un lugar donde la Arquitectura, la Geometría y las Matemáticas nacen de manera natural.

Propuesta teatral con forma de programa de televisión. Basado en la popularidad de los concursos más conocidos de la TV como Pasapalabra, Cifras y Letras, Saber y Ganar, La Ruleta de la Fortuna o El Tiempo es Oro, el escenario se transforma en un plató para que, en vivo y en directo, sin trampa ni cartón, los espectadores jueguen.

Dinamarca, 1755. Un desprestigiado capitán, Ludvig Kahlen, se dispone a conquistar los duros e inhóspitos páramos daneses con un objetivo imposible a priori: crear una colonia en nombre del rey. A cambio, recuperará el prestigio perdido y recibirá un nombre real que anhela con desesperación. Un objetivo que chocará con el único gobernante cercano a esa zona, Frederik de Schinkel, que cree que esa tierra le pertenece. Cuando De Schinkel se percate de que su criada Ann Barbara y su marido han huido para refugiarse con Kahlen, un líder cercano y piadoso, el privilegiado y rencoroso gobernante jurará venganza y prometerá hacer todo lo que esté a su alcance para ahuyentar al capitán. Sin embargo, Kahlen no se dejará intimidar e iniciará una batalla que pondrá en riesgo no solo su vida, sino también a la familia de personas marginadas que se ha formado con su pequeña comunidad.

Previo a su asalto a las taquillas nórdicas con la saga de Los casos del Departamento Q (2013-2018), Nikolaj Arcel logró el prestigio internacional con el drama histórico Un asunto real (En Kongelig Affære, 2012), que compitió por el Oso de Oro del Festival de Berlín y un año después por el Óscar a mejor película de habla no inglesa. A partir de este largometraje, Arcel manifestó el deseo de volver a colaborar con Mads Mikkelsen, el actor contemporáneo danés más conocido. Lo volvió hacer como guionista con Jinetes de la justicia (Retfærdighedens ryttere, 2020) y, de nuevo, como director con la brutal La tierra prometida (Bastarden, 2023). Un film poderoso, que va más allá de las coordenadas estéticas del drama de época para convertirse en un western de primer nivel; siempre apoyado en ese mágico carisma del actor de Østerbro, uno de esos rostros que bien valen una entrada.

La adición del dramaturgo Xavier Legrand al panorama directoral galo ha sido una de las grandes noticias en la última década de una industria que no conoce límites. Junto a su capacidad narrativa, Legrand destaca por su habilidad para el retrato de la oscuridad humana, representada en historias mundanas; simples en su planteamiento, poderosas cuando se despliegan. Este es el caso de su último film, que nos presenta a a Ellias Barnès, un joven de 30 años que acaba de ser nombrado nuevo director artístico de una famosa casa de moda parisina. Una nueva posición que le procurará regocijo pero también tensión, manifestada con achaques físicos, entre ellos, dolores en el pecho que deberá de ocultar ante las expectativas generadas por su nuevo cargo. Todo se complicará, si cabe, cuando deba retornar a Montreal para organizar el funeral de su padre, del que vivía distanciado. Allí descubrirá, que, junto a su débil corazón, quizá haya heredado algo que no imaginaría ni en sus peores sueños.

Con The Successor (Le Succeseur, 2023), Legrand suma a su filmografía una tercera película sobre los profundos recovecos de la ambición humana. Una película que comparte con su antecesora, la elemental Custodia compartida Jusqu à la garde, 2017), la más poderosa traslación de lo que significa la violencia de género en la historia del séptimo arte, una atmósfera opresiva y un estado de tensión latente durante todo el metraje que termina por explotar para desgracia de sus protagonistas. Con su último trabajo, Legrand apunta con sorna al estilo de vida actual, marcado por las exigencias laborales y capitalistas y que se hallan ya enraizadas en las idiosincrasias familiares. En este portento narrativo, destaca la excelente interpretación del Marc-André Grondin, actor canadiense que captó la atención de la cinefilia con C.R.A.Z.Y. (2005) de Jean-Marc Vallée.

En griego antiguo, Perséfone significa «La que lleva la muerte». Es la reina del inframundo y guardiana de los secretos muertos.

Perséfone llevaba una vida tranquila hasta que fue raptada por Hades y conducida al inframundo.

Nuestra Perséfone, es Silvia. Una mujer que ha sufrido los abusos permanentes de su padre y el silencio de su madre.

Silvia vive una vida ,aparentemente acomodada y feliz, en un entorno familiar estable, con un marido y una hija.

Hasta que un día ocurre algo que dinamitará su vida, llevándole de nuevo al inframundo.

No existe competencia leal en el neocapitalismo. Bien lo sabrá Marcelo, un docente que ha dedicado su vida a la enseñanza de filosofía en la Universidad de Buenos Aires. Cuando el profesor Caselli, su mentor, fallece, Marcelo asume que heredará la posición de titular de cátedra que ha quedado libre. Lo que no imagina es que un carismático y atractivo colega, Rafael Sujarchuk, retornará a su país, tras una exitosa y prestigiosa estadía en las universidades europeas, para disputar ese mismo puesto. Un contexto que liberará todos los complejos e inseguridades de Marcelo, cuyos esfuerzos por demostrar que es el candidato más cualificado serán torpes y baldíos. Entre ambos, surgirá un debate ético, una disyuntiva filosófica; todo mientras su vida y su país entran en barrena.



La colaboración entre María Alché y Benjamín Naishtat era una cuestión de tiempo. Ambos comparten una visión similar del sarcasmo, de la ironía como herramienta para desenmascarar un pasado y, sobre todo, un presente mediocre. Alché conquistó al público con su primer largo, Familia sumergida (2014); Naishtat, por otro lado, lo hizo con su penúltima creación, Rojo (2018). El humor, como operador incómodo, por momentos solemne, que articulaba sendas obras explota en Puan, un film que, por clarividente, exhibe imágenes valleinclanescas. Unos impresionantes Leonardo Sbaraglia y Marcelo Subiotto hacen el resto. La película del tándem Alché-Naishtat es la comedia del año en el circuito de festivales. Una propuesta hipnótica –la labor de la camarógrafa Hélène Louvart, una vez más, es impresionante— e inspirada que define como pocas el estado de una nación.

Dos micrófonos, un escenario, mucho por reír y algún secreto que compartir. Una historia sobre superar las adversidades desde el humor y el absurdo. Las protagonistas ansían ser las más modernas, trabajar, el éxito, la felicidad… pero la piedra de Sísifo pareciera que les ha cogido cariño. Un espectáculo cómico de optimistas imparables y perdedoras inquebrantables.

Cautivador espectáculo teatral que nos sumerge en la vida y el corazón de un hombre cuyo amor y conexión con la poesía de Federico García Lorca han sido la columna vertebral de su existencia. La historia se desenvuelve en un emotivo viaje a través del tiempo y el espacio, explorando las profundidades del amor eterno, la fragilidad de la memoria y la inevitabilidad de la muerte.

En un año en el que lloramos la partida de Sixto Rodriguez, se ha presentado un film como La estrella azul que nos recuerda que nunca es tarde si la música –también por qué no decirlo, las imágenes— es buena. Los antihéroes que dibuja el realizador Javier Macipe comparten la esencia del cantautor estadounidense rescatado por el también malogrado Malik Bendjelloul en Searching for Sugar Man (2012). En puridad, seres enterrados por el tiempo y la ambición y que solo resuenan en los hogares de melómanos o en radios piratas. La estrella azul, una de esas obras que nos reconcilian con la vida, nos sitúa en los años 90. Un otrora famoso rockero español recorre Latinoamérica buscando hallar una vocación perdida. Allí conocerá a un anciano músico en horas bajas; de su encuentro nacerá un dúo artístico cuasi quijotesco, con todas las papeletas de ser un fracaso comercial. O quizá no.



Si Kirill Serebrennikov ofrecía en Leto (2018) una preciosa carta de amor a todos aquellos, ya sean músicos, cineastas o actores, que han hecho de nuestro mundo personal un lugar mejor, Javier Macipe se contagia de ese afán celebratorio con este enérgico relato sobre las muchas resurrecciones que componen una vida. Al ser humano se le enseña a caer pero para levantarlo quizás sea necesario algo más. Por suerte existen las artes, existe la música, existe el cine, que solidifican los asideros para afrontar tantos los buenos como los malos momentos. Macipe lo celebra de la mejor forma posible: con un bellísimo cuento que va más allá del espacio-tiempo. La estrella azul es una historia sobre un amor que nunca se rompe, por mucho que se esconda en los recovecos que surgen en una vida. No hay nada como la pasión, se decía en El secreto de sus ojos (2009). Conviene no olvidarlo.

En plena ola revisionista, la industria cinematográfica se ha unido a dicha tendencia ofreciendo nuevas perspectivas sobre el acontecimiento que marcó el siglo XX: la Segunda Guerra Mundial. Retratos de un período de oscuridad despojados de toda épica; centrados en la vertiente humanista, tanto de víctimas como de ejecutores. Un humanismo del que siempre ha huido un cineasta como Jonathan Glazer, más interesado en desvelar cómo se gesta la violencia humana que en los efectos de esta. Su última obra maestra, La zona de interés (The Zone of Interest, 2023), ejerce de paradigma de esta sentencia. Nos traslada a la cara B del conflicto, al contracampo del holocausto. La cámara nos sitúa ante la vida del comandante de Auschwitz Rudolf Höss y su esposa, Hedwig. Una pareja que se esfuerza en construir una vida de ensueño para su familia en una casa con jardín cerca del campo de concentración devenido mito.



Diez años después de su último largometraje, Under the Skin (2013), erigido obra de culto por derecho propio –no pudo estrenarse en las salas de nuestro país—, el cineasta británico Jonathan Glazer retorna con un filme que escapa de cualquier etiqueta genérica. La adaptación de la novela homónima de Martin Amis bien pudiera ser un drama belicista, un thriller existencial o una cinta de terror al uso. En los intersticios de sus bellísimas y simétricas composiciones se esconde el horror, el dolor de una generación de europeos cuya vida fue sesgada o mutilada. En el último trabajo de Glazer no se vislumbra esa violencia que cimentó el exterminio de judíos en la segunda gran guerra, sin embargo, el espectador la siente a través de una tensión latente, que palpita con cada fotograma. La zona de interés es, sin lugar a duda, la visión definitiva sobre la edad más oscura de Occidente, guiada por una sobresaliente Sandra Hüller –la intérprete germana es la actriz del año, sin lugar a dudas.